January 2020

04 Jan

Posted at 19:10h in 新闻

时间2019年12月7、8日地点中国美术学院南山校区组织委员会管怀宾、文涛、姚大钧、高世强、牟森主办中国美术学院跨媒体艺术学院 在今天，社交网络、大数据、人工智能迅速发展并日益普及，人们的生产生活获得更多的便利，知识与信息更新飞快，视野广度拓展便捷，但个体记忆的能力、思想的深度与处理复杂问题以及进行知识生产的能力却受到极大的挑战，甚至很明显，我们越发感到随之而来的感受力的式微与创造力的匮乏，个人的保存与发展面临着深刻的危机。我们无法作为孤绝的个体求得生存，却又被隔离、切分为语言、思想、行动的碎片，与他人进行连结、切磋、交流与共享变得势在必行，个人的创造力与想象力正是需要在这个过程中得到保护和激发 有鉴于此，中国美术学院跨媒体艺术学院连续举办“感受力论坛”，邀请国内外艺术创作、教育与研究领域的同仁，聚焦于感受力的蒙养与创造力的激发，共同分享实践与研究所得，探讨如何以艺术做教育，以教育做艺术。今年，2019感受力论坛主题为“以创作集体为方法”。 我们愿意借由今年的“感受力论坛”，坦诚而开放地探讨由师生共同组成创作集体，在相对长的时段内用创作带动教学，同时以教学展开创作这一方法，探寻如何酝酿艺术生产、思想生产的动能，进而培养共同关切，引导心灵转向。我们初拟出一些议题，例如“学院当代艺术教学的危机与机遇”“如何用艺术实践建构我们的未来？”“科幻作为方法？”“媒体艺术的开放性？”“跨媒体艺术创作的产学研可能？”等等，期待与各位艺术/教育的同行者们进行深度探讨。我们也期待与各位同行者探讨未来“跨媒体艺术节”的举办维度，并邀请各位同仁们与我们一起齐心协力，用我们的感受力对现实做出新的解释，用我们的想象力向社会和时代提案。 会议日程 2019年12月7日地点：中国美院南山校区南苑会议厅第一场  9:00-10:30  致欢迎辞与主持（约5分钟）：管怀宾主讲：（20分钟/人）王俊杰：跨领域艺术的当代思考与合作生产姚大钧：与未来对峙：科幻作为方法牟森：存在巨链：跨媒介创作的产学研可能回应与开放讨论（约20分钟）与谈人（5分钟/人）：刘恪、郑闻、黄小捷、王旖旎茶歇  10:30-10:40 第二场   10:40-12:20主持：高世强主讲：（20分钟/人）朱朝晖：手机时代摄影的进退和取舍胡介鸣：反刍的图景：第三只眼睛李京键：其大无外，其小无内：音乐与多种艺术的界限和融合孙承健：虚拟制作时代的电影视觉观念与创作方法回应与开放讨论（约20分钟）与谈人（5分钟/人）：王子耕、陶显、谭彬、吴佳芮 第三场  13:30-15:10主持：姚大钧主讲：（20分钟/人）李振华：一个人在荒岛：诗歌、短句和朋友圈董冰峰：如何共同生活？——艺术与“共同体”陈界仁：创作集体或悖论体（远程）黄孙权：批判的衰落：跨媒体的中年危机回应与开放讨论（约20分钟）与谈人（5分钟/人）：赵德利、张杨、刘益红、蒋竹韵茶歇  15:10-15:20第四场  15:20-17:00主持：牟森主讲：（20分钟/人）武小川：作为塑造的艺术高世强：探索一条新道路：一场“山水精神”和“近未来”之间的教学研实验管怀宾：融超经验：消化观念、技术的流变与普适性专业建构的矛盾回应与开放讨论（约20分钟）与谈人（5分钟/人）：闵罕、郑达、陈问村、朱 2019年12月8日 自由讨论时间：9:30-12:00地点：南山校区8号楼1楼会议室主持：管怀宾讨论：全体与会者敖日力格、车建全、陈问村、董冰峰、高世名、高世强、管怀宾、胡介鸣、胡晓阳、黄孙权、黄小捷、蒋竹韵、李川、李京键、李振华、刘恪、刘立宏、刘益红、闵罕、牟森、孙承健、谭彬、陶显、佟飚、王俊杰、王旖旎、王音洁、王子耕、吴佳芮、武小川、姚大钧、张锰、张杨、赵德利、郑达、郑闻、朱朝晖、朱玺等茶歇  10:30-10:40午餐  12:00-13:3013:30 乘车出发参观象山校区17:30 晚餐 讲演摘要 （以讲演出场为序） 王俊杰：跨领域艺术的当代思考与合作生产当代“跨领域艺术”（Transdisciplinary Art）思潮让我们重新反省分类学的问题外，更带出在数位时代全球化下的当代性与未来艺术可能性的思考。特别是1970年代后的新媒体介入当代艺术风潮，运用独特的科技媒体界面及互动语言，将艺术的传统分类与单一性推向复合式的多元表现。新媒体艺术一方面紧随科技发展，另一方面也跨出艺术的传统分类，朝向跨领域的整合性艺术样貌，将新的美学与形式等不同媒介及当代命题相结合。本短讲将讨论跨领域艺术的当代演进概念与台北艺术大学近期的大型跨领域创作案例分享。 姚大钧：与未来对峙：科幻作为方法未来这概念一直随着历史不断地变化着。而当下，未来给我们一种前所未有的“逼近感”，我们甚至感到在与未来对视／对峙。我们在思考是什么导致了这种对时间的新感受，时间的压缩感。也正因此种逼近感，尤其在此时此地，科幻就越显重要。因为面对当前无底线的科技崇拜与科技乐观主义，科幻提供了重要的批判机制，或说跳脱机制。科幻并非小说电影，它是一种创作及思考方法。在开放媒体系，我们用科幻联系起各种媒介平台与技术，也用它贯穿了东西文化与历史的过现未。 牟森：存在巨链：跨媒介创作的产学研可能一、用途和路途。借用《硅谷百年史》著者皮埃罗·斯加鲁菲的观点：“硅谷的创新指的不是技术，而是技术的用途。”媒介创作不是媒介展演系的教学目标，媒介创作的用途才是。用途对应领域，所谓产。媒介展演系的培养面向对应三个领域：展场、演场和映场。用途决定路途。二、短途和长途。媒介创作的教学如同驾驶的学习，只掌握单独科目的技术是没有意义的。跑一次长途是对单独科目的最好整合应用。媒介展演系的课程系统，由元媒介和跨媒介组成。元媒介课程相当是短途，熟悉各种单独科目。跨媒介，通过项目实践和创作集体的方式，将各种单独科目整合为有机的长途。是为学。三、中途和殊途。但丁云：当人生的中途，面对黑森林。需要确立伟大目标，需要走下去的工具。于是有叙事工程。由实践到教学，再到实践。如果说呈现本质和真相是伟大目标，一切跨媒介创作都为其副产品。殊途同归。研，以培养教学人力为己任。研无止境。 朱朝晖：手机时代摄影的进退和取舍一、摄影工具进化至今，主流并非数码相机，而是手机。二、从传统摄影到数码摄影，拍摄理念和规则并没有改变。三、从前期拍摄到后期制作，数码摄影向前兼容，提供了更多便利和更大空间。四、适者生存，变者进步。感受力和创造力退化，不能归咎于外因的进化，而应归结于内因的不进化。 胡介鸣：反刍的图景—第三只眼睛在我的理解中，只有经过不断反刍的图景信息才能够列入有价值的图景行列，或者说可以被关注和探讨的图景不属于单纯的客观图景，它们是经过主观反复整合的观念化了的图景，如本雅明所称的那种被灵光所环绕的图景，一个与日常生活和客观景致相异的镜像，一个意外的景观，一个被附体的视觉感知。我将以创作实践案例来阐述反刍图景的经验。 李京键：其大无外，其小无内：音乐与多种艺术的界限和融合一、20世纪以来的音乐创作思想及其派生出的多种融合形式；二、整合的运用历史中所出现过的技术现象是跨学科融合在当下的基本方式；三、作曲不可教，可教的是历史中所出现过的技术现象。 孙承健：虚拟制作时代的电影视觉观念与创作方法一、始于虚拟设计与数字资产的电影虚拟化制作，不断僭越着基于索引性观念的“照相现实主义”的美学原则，不断型构着一个有别于现实世界，并与现实世界并置的，具有相对独立性的数字世界。二、电影虚拟化制作涉及几个关键性问题，一是在生产与创作的过程中，与传统电影的生产与创作方式所不同的是，虚拟制作更注重协作性、交互性与非线性；二是虚拟制作的实现方式涉及虚拟设计与数字资产两个重要因素。三、作为一种生产方式与创作方法，电影虚拟化制作在制作流程层面就有别于传统电影创作的线性模式。虚拟制作流程形态的建立，与传统电影制作模式相比，并不仅仅代表着制作流程的简单变化，而是在根本上能够将创作者的艺术才华与艺术想象力，从传统电影制作的线性化流程中有效释放出来，从而围绕创作者的创作个性，以及创作者基于意图表达的创作需要，更加灵活地组织起多元化的、各种网状结构的制作流程。 李振华：一个人在荒岛：诗歌、短句和朋友圈我一直试着在找一种方法，就是任何时刻都可能有创造的方法。记得当年导演阿巴斯说，他有钱的时候拍电影，有摄影机的时候拍摄影。但这些都没有的时候，他会一直有一支笔在兜里，他写下诗歌。我一直在找类似的方法，一直试着通过朋友圈实现一种快捷的创造方式。因为我相信创造无限，其他只是介质转换的问题。那么这个无线的原点是什么呢？我想应该是诗歌，也就是来自于你脑中的一些片段，带有美感诗意的某个瞬间。而对这个片段的转化，它可以是关系美学式的，它可以是社会介入的，它也可以是最优雅的某种姿态。我的工作一直是与社群和社会分不开，那么我如何在一个短暂的时光里，与我的朋友圈共享各种创造力。也许只能有诗歌，只能有文字的方式去实现。而之后邀约艺术家的图像创作，印刷的诗集，展览，都是对这一创造瞬间的物质转换，有些是物件，有些是空间，还有一些是模糊的状态。我经常会反问，创造力，到底创造了什么？以及自己是如何去理解和认知的。 董冰峰：如何共同生活？——艺术与“共同体”当代艺术对于飞速发展的社会以及紧急状况如何作出反应？此种反应与实践又是以何种在地的理念和多样化的形式参与到社会重建与公共对话之中？以《新美术》2014“可出售的乌托邦”和2018年的“超图像”两次专题策划为工作延续，本次发言题目“如何共同生活”的研究背景，既源自于当代艺术面对的动态社会关系以及全球性危机，同时又从近年越来越多艺术家的在地实践和具有原创性的工作理念与问题案例为展开，尝试对部分艺术项目，如：毛晨雨“稻电影”聚焦的“社群”连接、陈界仁电影行动的“诸众”，以及田中功起发起的“如何共同生活”等项目主题进行研讨。 黄孙权：批判的衰落：跨媒体的中年危机1979年，由一个钢铁场转变成国际知名的德国林兹科技艺术节，今年的主题乃是“跳出同温层”，副标题是“数位革命的中年危机”，并推出一个收录了从1986年至今的电子艺术档案展（ars electronica archive）。新媒体仍在，但不再新奇，如同数字艺术不再前卫一样。如今再提新媒体或电子媒体艺术还有什么仍待厘清的特征呢？林兹的科技艺术的跨领域化（科技、媒体、社会）是一个很明显的例子。从1980年代的跨媒体化（intermediality）到1990年代的跨领域化（interdisplinary）及社会转向（social turn），说明了艺术如何“运应”科技与媒体的社会生产有关。而适应（如何使用技术只让我们麻木）不是创新，创新与批判有关。技术创造了一种环境，技术将一种知识转接为另一种形式的知识，一种媒介是另一种媒介的内容，而新环境能使之前的旧环境转变成一种艺术形式，在看似前进又循环的历史中，人如何不是技术的复本，就是艺术生产的关键。 武小川：作为塑造的艺术近五年来，实验艺术、跨媒体艺术、新媒体艺术、艺术与科技等新专业，成为各院校学科发展推进的重点，这些控制、特设专业，与2012年学科目录中的诸如摄影、公共艺术、数字媒体艺术等新专业，具有某些共通的知识模式以及教育逻辑，其教学内容、案例型课程、项目课题带动教学、理论框架、艺术史上下文的谱系、艺术社会学和文化人类学的基础、技术环节、方案推进、实施与锤炼等等教学各环节的内容和方法，各院校有着异曲同工之诉求，一个潜在的专业学科群业已形成。更重要的是，在新专业学科的推进过程中，各地的艺术家-教师，已经塑造起一个世界范围之内都很独特的艺术样态，它也深度的重塑着这个时代艺术教育的本体。更为关键的是，实现了通过艺术来塑造“人”，已实现“成人”、“立人”的教育功用，并达致塑造社会与未来的教育宏愿。 高世强：探索一条新道路：一场“山水精神”和“近未来”之间的教学研实验介绍近几年来由本人主持的一场持续经年的产/学/研一体化的影像行动。这个行动从看似遥远的两个极端开始：一极是探讨如何把中国文化传统中尤其是中国画传统中的“山水精神”激活，进入当代艺术创作和当代媒体语境；另一极是基于积极参与塑造和引导对“可能生活”的建构，的愿望与努力。这一极并不是从一般科幻入手，而是致力于探讨“近未来”的可塑性，并以思考和创作参与到对“近未来”的文化塑造。这个影像行动作为实验艺术系和空间影像研究所的创作集体教学研实践，开始于2017年。本项目为期计划十年左右，近期目标是形成一门涵盖本科高级阶段和研究生阶段的成熟课程，远期目标则是打通中国文脉传统与未来建构，形成一条当代艺术实践的新道路。 管怀宾：融超经验：消化观念、技术的流变与普适性专业建构的矛盾一、学院与当代艺术的生态学院与当代艺术生态是一个复杂的话题，它涉及到学院的意义与作为，涉及到当代艺术泡沫现象下面的基层景观。二、新知识系统的建构关于知识系统的认知与建构，这也是我们在教育现场常常论争的问题。实际上，就今天艺术教育内外的总体情形来看。无论传统学科还是跨媒体艺术这样的新兴学科，都在经历一场深刻的视觉文化的转型、无论是图像与媒介的系统更新，还是视觉生产、传播方式都在发生位移。三、寻找可能的起点我们阅读艺术史，也研究前辈艺术中闪光的内容，并不等于我们拥有了法则与标准，历史与经典不只是某种过去式，而应当成为流动的篇章。我们从刚刚逝去不久的过去中挖掘不同的表达方式，不是为了向经典致敬，而是为了寻找可能的起点。四、创作与教育在场的交替思考过去的二十年，我一直关注东方的空间美学与空间营造方式在当代艺术创作中的可能性问题，有意将一些概念和元素介入到装置艺术创作之中，当然我希望指涉的是今天的文化现实包括视觉与空间建构问题。五、教学相长——确立主体优秀的实验性课程不但要有它明确的目标和相应形态创作的阶段性要求，同时也要有多种思考途径和一连串的思考题，需要学生对发现与创造意义的追问成为某种自觉的行为和主动意识，以抵制来自外部或艺术界庸俗的价值取向与表象模式。 与会者简介 （以姓氏拼音为序） 敖日力格 教授，博士研究生导师。北京电影学院美术学院院长、北京电影学院学术委员会委员、北京电影学院学位委员会委员。1985年毕业于北京电影学院美术系、电影美术设计专业。毕业后曾工作于内蒙古电影制片厂，现任北京电影学院美术学院学院院长、中国电影美术学会副会长。主要研究方向：电影视觉艺术、新媒体艺术、视觉文化与传播；主要讲授课程：电影美术设计、电影视觉设计、新媒体艺术等。主持科研《“2008北京北京残疾人奥运会火炬传递”创作研究》、《当代电影美术前沿问题研究》、《中国古典文学“山海经”的视觉化研究》、《塔克拉玛干的鼓声-数字调色创作研究》等十余项。出版专著《电影色彩》；主编《中国电影美术教育50年》、《感觉的基础-电影∙美术∙人》、《景物∙角色-影像语言的建构与拓展》、《视像∙再现-视觉空间的重构与置换》、《迭代与交融-论文集》、《第四届北京电影学院国际新媒体三年展-画册》及专业教材等数十本。曾历任《骑士风云》、《悲情布鲁克》等数十部故事片电影的美术设计师。同时在主要工作之余创作并指导拍摄了大量的广告与MTV影片。作品曾荣获中国电影“金鸡奖”、中国政府“华表奖”、圣塞巴斯蒂安国际电影节、中国电视音乐大赛最佳作品等多项奖项。 车建全 1967年出生。2001年毕业于广州美术学院油画系，文学硕士。现为广州美术学院油画系教授, 天津美术学院实验艺术学院院长（特聘），美国加州CGU研究生大学客座教授，广东美术家协会实验艺术委员会委员，全国艺术科学规划项目专家，第11届佛罗伦萨双年展影像金奖获得者。长期从事绘画、影像互文关系的研究与实践，近年来致力于意识测试和视觉转换的尝试。 陈界仁 1960年出生，目前生活和工作于中国台湾台北。早年曾积极参与表演艺术创作，1987年后逐渐停止创作八年。1996年重新恢复创作后，开始和失业劳工、临时工、移工、外籍配偶、无业青年等进行合作，对已被新自由主义层层遮蔽的“人民”历史与当代现实，提出另一种“再-想像”、“再-叙事”、“再-书写”与“再-连结”的拍摄计划，他将相关拍摄计划，称为“生产第二层运动”。2010年开始，陈界仁更积极关注在新自由主义与后网路时代的“全域式”操控技术下，全球越来越多人沦为泛临时工的现实，这同时也是一种不再以民族国家／现代国家为分界的新殖民状态，他将这个新自由主义全球化与自动化生产后的普遍现象，简称为“全球监禁、在地流放”，并试图通过重思“以欲化欲”的路径，借此思考如何质变“全域式”操控技术的可能性。 陈问村 伦敦切尔西艺术学院纯艺术专业硕士毕业，伦敦皇家艺术学院版画专业硕士毕业，中央美术学院版画系本科毕业。参加展览包括“时间开始了——2019乌镇当代艺术邀请展”、“无介”留英中国艺术家群展、“繁茂”群展、“模糊边界”等。 董冰峰 现为中国美院跨媒体艺术学院研究员。2005至今曾先后担任广东美术馆与尤伦斯当代艺术中心策展人、伊比利亚当代艺术中心副馆长、栗宪庭电影基金艺术总监、北京OCAT研究中心学术总监。同时他也担任多个艺术机构、艺术理论丛书和影展的学术委员、主编与国际评委。曾获“CCAA中国当代艺术评论奖”（2013）、“《YISHU》典藏国际版中国当代艺术评论奖”（2015）和亚洲艺术文献库“何鸿毅家族基金中华研究驻留奖”（2017）。董冰峰的研究领域包括影像艺术、独立电影、中国当代艺术史、展览史与当代批评理论。 高世强 1971年出生于山东省潍坊市，现为中国美术学院跨媒体艺术学院实验艺术系主任、空间影像研究所主任、硕士研究生导师、教授。他自1990年代中期开始从事情境雕塑、装置及实验影像创作和研究。本世纪初开始，他的研创及教学方向逐渐聚焦于活动影像领域，近年来致力于空间影像叙事研究及创作。 管怀宾 管怀宾，1989年浙江美术学院（现中国美术学院）毕业，2004年东京艺术大学博士后期课程毕业（获博士学位）。中国美术学院教授、博导，跨媒体艺术学院院长。管怀宾善于将传统文化元素和感知方式解构并溶入到自身的语言系统和作品构架之中；他将中国古典造园美学融入其空间装置形态，使传统文化元素在当代艺术语境中获得广泛的延伸与拓展。多次参加越后妻有三年展、神户口双年展、威尼斯双年展平行展、上海双年展等重要国际展事。 胡介鸣 胡介鸣生活工作在上海。从事新媒体、影像装置、摄影艺术作品的创作并参与展览，如：“010101：技术时代的艺术”（旧金山现代艺术博物馆 2001）；“生活在此时”（汉堡火车站美术馆 柏林 2001）；首届广州当代艺术三年展“重新解读：中国实验艺术十年 1990-2000”（广东美术馆 2002）;“在过去和将来之间：中国新摄影和录像”（国际摄影中心 纽约2004）；他使用交互媒体的方式进行艺术创作，参加“影像生存”第五届上海双年展（上海美术馆 2004）、“重新发电”第九届上海双年展（PSA2012）等展览。于2003年在比翼艺术中心（上海）举办名为“与你有关”的交互媒体艺术个展，2004年在布鲁塞尔MAAC HHKK举办“胡介鸣交互艺术展”；“等物齐观”国际新媒体艺术三年展，中国美术馆, 北京（2014）,参加在中国美术馆举办的“聚焦”中国当代摄影与录像展；2006年参加“13：中国当代录像”纽约P.S.1当代艺术中心；“中国当代”，鹿特丹Boijmans Van Beuningen博物馆；2006ISEA和“01圣·何塞：全球边缘艺术节”；“代码：蓝色”第三届北京国际新媒体艺术展暨论坛；“DEAF07荷兰电子艺术展”，V2鹿特丹；“釜山双年展2016”（釜山 韩国）；“移动中的艺术：100件媒体艺术名作”，ZKM媒体艺术博物馆 2018（卡尔斯鲁厄 德国）等等。 胡晓阳 浙江传媒学院设计艺术学院院长、教授，系教育部高等学校美术学类专业教学指导委员会委员、全国照相机械标准化技术委员会委员、中国高等教育学会摄影教育专业委员会副理事长、浙江省摄影家协会副主席，主持国家社科基金艺术学重点项目“中国大运河影像文献整理与研究”、浙江省哲社科学规划课题“浙江老摄影家影像口述史研究”。主持浙江省特色专业“摄影”专业、浙江省大学生校外实践教育基地建设项目“浙江传媒学院—桐乡市濮院羊毛衫市场管理委员会文创实践教育基地”、浙江省精品在线开放课程“手机摄影艺术”、浙江省高等教育课堂教学改革项目“项目化训练在《公共艺术创意研习》等课程中的应用与研究”。 黄孙权 台湾大学建筑与城乡所工学博士，跨建筑、媒体、社会运动与艺术的艺行者（artivist）。于多所艺术大学任教，现为中国美院跨媒体艺术学院客座教授，网络社会研究所所长。研究专长包含建筑与空间理论、文化与媒体、社会运动与跨领域艺术。前《破报》总编辑，1997号召组织台湾第一场反仕绅化都市运动 “反对市府推土机”。近年开始从事策展与艺术创作，在高雄成立“捣蛋艺术基地”，“共艺术合作社”。作品曾参加三届深圳香港城市/建筑双城双年展（2007、2013、2017），北京中央美术学院美术馆双年展，北京红砖美术馆个展，北京民生美术馆、台北立方空间等等。纪录片《我们家在康乐里》于台北双年展、台湾铁马影展、香港、新加坡、马来西亚以及中国十几个城市巡回影展过。策有“候鸟─台湾移工特展”、“复岛”、“亚洲新娘之歌”、“乡关何处”、“亚际双年展论坛”、“连结者峰会”（上海当代艺术馆）、“诸众之貌：滋事”、“为无为——谢英俊的建筑实践”、“甦醒的日常——921二十周年展”等与底层民众、地方、空间、建筑、记忆、行动有关的展览。著有《绿色推土机》、《除非我们寻找美丽》、《建筑与乌托邦》，译有《自己干文化──英国九零年代的派对与革命》。 黄小捷 黄小捷，1978年出生于江西省九江市，美术学博士，广州美院跨媒体艺术学院教师。2015年毕业于中国美术学院跨媒体艺术学院，艺术实践类博士。 蒋竹韵 蒋竹韵，1984年生于杭州，现生活工作于杭州和北京。以问题机制为导向，其创作和研究方向涉足装置、行为、网络、声音、程序等多种媒介及形态。现就职于中国美术学院跨媒体艺术学院，参与编程、声音等教学工作。2017年入围第五届三亚艺术季“华宇青年奖”。 李川 生于1971年，毕业于四川美术学院版画系，现为四川美术学院实验艺术学院院长、教授，重庆市美术家协会副秘书长。研究方向:实验艺术、绘画等。 李京键 旅德青年作曲家，博士后。现为上海大学音乐学院青年教师。 李振华 1975 出生于北京，现工作于苏黎世、柏林和香港。1996 以来活跃于当代艺术领域，实践主要围绕策展、艺术创作和项目管理。现任香港巴塞尔艺博会光映现场策展人（自2014）、瑞士保罗克利美术馆夏日学院推荐人、瑞士Prix Pictet摄影节推荐，曾担任英国巴比肯国际展览“数字革命”国际顾问，自2015年担任澳大利亚SymbioticA机构国际顾问、香港录影太奇顾问。李振华曾主持编撰艺术家个人出版物《颜磊：我喜欢做的》、《冯梦波：西游记》、《胡介鸣：一分钟的一百年》和《杨福东：离信之雾》。2013年艺术评论以《Text》为书名出版。2015年获得艺术权力榜年度策展人奖（2014）、艺术新闻亚洲艺术贡献奖年度策展人奖，2016年第三届乌拉尔当代艺术工业双年展（2015）获得俄罗斯创新奖地区当代艺术计划奖。 刘恪 河南洛阳人。2011年毕业于德国卡塞尔大学艺术学院实验影像与虚拟现实艺术专业方向。2012年起任教于北京航空航天大学新媒体艺术与设计学院，硕士研究生导师。2017年起在中国美术学院跨媒体艺术学院攻读实验艺术理论与跨媒体实践方向博士，现工作生活于北京和杭州。 刘立宏 1958年生于沈阳，1982年考入鲁迅美术学院工艺系。现任鲁迅美术学院教授。个展包括“刘立宏：风物一城”（2017）、“松”（2016）、“消失的土地”（2011）等，近年来参加群展包括“松：第七届北京国际美术双年展”（2017）、“松不老”集美·阿尔勒国际摄影季/无界影像：张离——故国新知（2016）、“剩余与额外”第二届北京国际摄影双年展/靳宏伟中国当代摄影收藏展（2015）、“松：首届长江国际影像双年展”（2015）、“消失的土地”第十届连州国际摄影年展（2014）、“冬至”（2014）、“基数—艺术家联展”（2014）、“沈阳三部曲”第五届济南国际摄影双年展（2014）等。摄影作品集包括《风物一城》（浙江摄影出版社）、《刘立宏·沈阳三部曲》 （中国民族摄影艺术出版社）、《剩余与额外》（上海文艺出版社）、中国摄影家丛书系列《刘立宏作品集》（工人出版社）、《神话的观看》（辽宁美术出版社）。收藏包括《游移》、《消失的土地》、《冬至》（中央美术学院美术馆）；《剩余与额外》（CIPA画廊）；《神话观看》（中国美术馆）；《城中摇曳》（广东美术馆）。 刘益红 中国美术学院当代艺术与社会思想研究所博士，法国国家工业设计学院（ENSCI，Les Ateliers）硕士，中国美术学院视觉传达专业学士。研究领域涵盖当代艺术策展、网络社会研究、视觉文化研究、商业品牌策划等。2013年起参与策划“诸众之貌”亚洲社会与艺术研究计划至今，论文入选2016年世界艺术史大会，展览“连结者峰会”入选2016上海当代艺术博物馆“青年策展人计划”。 闵罕 1982年生于浙江杭州。2007年毕业于中国美术学院版画系，获硕士学位并留校任教至今，现任绘画艺术学院版画系第四工作室主任。中国美术学院当代艺术与策展研究博士。目前的研究和实践面向艺术创作与策展实践，探索传统绘画与图像在当代艺术中的可能性，从技术与观念的角度探索媒介的表现方法和感觉机制、图像生产和绘画形式的关系，讨论如何使得启发性的图像制造成为可能。 牟森 中国美术学院跨媒体艺术学院媒介展演系主任。叙事工程研究所负责人。 孙承健 中国艺术研究院电影电视艺术研究所研究员、电影学博士、博士生导师。中国电影美术学会视效专业委员会副主任。主要理论研究方向：电影社会学、电影叙事、电影数字技术。主要著作包括《情绪:影像表意的魅力与体验》、《“魔法师”的世界：电影叙事的观念与表达》、《电影、社会与观众》等。 谭彬 1989年出生，河南商丘人，现生活工作于杭州。2014年毕业于中国美术学院跨媒体艺术学院，获硕士学位。2014年至今，任教于中国美术学院上海设计学院、创新设计学院。作品曾参展《中华创世神话——互联网艺术大展》（刘海粟美术馆，上海）、《我织我在——第二届纤维艺术三年展》（浙江美术馆，杭州）、《吴语·方言——上海艺术家邀请展》（中华艺术宫，上海）、《追梦时空——上海雕塑艺术邀请展》（上海城市雕塑艺术中心，上海）、《大地备忘录》（上海当代艺术博物馆，上海）、《第十二届全国美术作品展览·实验艺术展区》（今日美术馆，北京）等展览。曾参与策划《一个人的丝路：尔冬强视觉文献展》（中华艺术宫，上海）、第九届上海双年展“重新发电”特别项目“上海方舟”、“中山公园计划”（上海当代艺术博物馆，上海）。 陶显 陶显 （b. 1991, 安徽马鞍山）2013毕业于中央美术学院油画系获得本科学位，2016年在纽约帕森斯艺术学院获得艺术硕士。她是帕森斯院长奖学金和中美艺术协会全额赞助的获得者。她的作品曾多次在美国、中国和日本等地展出，包括北京指纹画廊(2017)、新加坡Asian Art Platform(2019)、纽约Gallery456（2017）、日本吹上美术馆（2016）、纽约Participant Inc（2016）、纽约Untitled Space（2016）、布鲁克林工业城市（2015）和上海中华艺术宫（2014）。 佟飚 佟飚出生于安徽，80年代末考入中国美术学院，毕业后任教于中国美术学院附中，现任中国美术学院专业基础教学部副主任。 王俊杰 毕业于德国柏林艺术学院(HdK Berlin)，获卓越艺术家最高文凭，为台湾少数知名新媒体艺术家兼策展人。1984年开始录像艺术创作，为台湾新媒体艺术发展的重要开创者之一。1984年获年度雄狮美术新人奖，1996年获德国柏林电视塔艺术奖。2000年获日本“美术手帖”推选为“最受注目的100位艺术家之一”。2009年获台新艺术奖年度视觉艺术大奖。现专任于台北艺术大学新媒体艺术学系教授兼系主任。重要国际邀展包括：“光州双年展”、“威尼斯双年展”、“约翰尼斯堡双年展”、“亚太三年展”、“台北双年展”、“上海西岸双年展”、“林兹电子艺术节”、“欧洲媒体艺术节”等。重要展览策划经历包括 ：“漫游者——国际数位艺术大展”（台湾美术馆，2004）、“异响——国际声音艺术展”（台北市立美术馆，2005）、“2006台北双年展：限制级瑜珈”（台北市立美术馆，2006）、“台北数位艺术节”（台北当代艺术馆，2009）、“Videonale国际录像艺术对话”（台湾美术馆，2011）、“再基地——当实验成为态度”（台湾当代文化实验场，2018）等。近年参与跨域媒体剧场设计作品包括：瓦格纳歌剧《尼伯龙根指环》（国家交响乐团，2006）、台语歌剧《黑须马偕》（国家戏剧院，2008）、《图兰朵公主》（德国莱茵歌剧院，2015）；导演科技媒体剧场《罪恶之城》（松山文创园区，2013）及《索多玛之夜》（台北市立美术馆，2015）等。 王旖旎 1990年生于福建福州，2015年硕士毕业于福建师范大学美术学院油画系，2019年硕士毕业于中国美术学院视觉中国协同创新中心视觉当代创意媒体专业，现为中国美术学院跨媒体艺术学院开放媒体系助教。2015-2016年任职于蜂巢当代艺术中心展览部及青年项目策展人，2017年起参与开放媒体系展览及教学工作，主要参与工作项目包括“未来媒体/艺术宣言”（2017）、“九个明天：入侵未来”（2018）、“全息书写”2018国际跨媒体艺术节、“黑镜第八季：当代异托邦”（2019）。 王音洁 艺术史博士，丰马剧场艺术总监，浙江理工大学服装表演系副教授，从事当代剧场和影像研究，以及策展实践，耕社工作室及品牌“剧象场开说”负责人，著有《复象与镜像——当代剧场与影像创作流动图景》。 王子耕 建筑师，策展人。普林斯顿大学建筑学硕士。中央美术学院建筑学院讲师，镜像建筑主持建筑师，《PILLS》主编。曾任北京电影学院美术学院讲师，清华大学建筑学院开放式课程导师。受邀在哈佛大学、雪城大学、清华大学、同济大学、北京大学等多所院校授课或讲座。美国建筑师协会会员，北京市规划和国土资源管理委员会评审专家。曾获得普林斯顿大学全额入学奖学金、普林斯顿大学建筑学院杰出毕业设计奖、FAIRYTALES...

04 Jan

Posted at 15:39h in 新闻

首届艺术与设计创新未来教育博览会（Future Lab）于11月25日至12月1日在上海西岸艺术中心举行。中国美术学院跨媒体艺术学院的张培力、耿建翌教授和他们教学生涯中13位优秀学生的作品在本届教博会中展出，呈现了中国美术学院新媒体教学的一个阶段性的回望。 张培力教授提出的以创作带动教学，将技术和创作有机地融合在一起。学生通过遭遇创作中的问题，反思技术。媒介不再是简单的技术和工具，关于如何构建学生自己独特的艺术语言是教学的核心。 张培力| Zhang Peili 2015年一个字/一分钟 耿建翌教授则提出的“艺术不可以教”，看似是艺术教学的悖论，但背后所蕴含的是同样的教学思想。他们注重在实验中寻找可能性，转换学生的习惯性思维，在不断的否定与重构中，进入到“玩”的状态，并鼓励学生在创作中做出及时的镜像观察分析。 耿建翌 | Geng Jianyi表格与证书（部分）1988纸 本次展览的中心区域分为三个展台，分别呈现了中国美术学院新媒体系教学的三个板块：录像与观念，观看与实验和拓展与开放。各个板块以13位艺术家在校期间的创作的多件作品，课程作业，笔记，课堂现场录像，课程计划表，课程教师名录等相关资料构成。 参展艺术家包括张培力、耿建翌、陆垒、蒋竹韵、郭熙、苗颖、林科、李明、陆扬、易连、张辽源、冯晨、邓悦君、刘国强和张鼎。 陆垒 | Lu Lei阿波罗与狄俄尼索斯的困境2017装置铝合金板，铜管，木头，压缩机 张辽源 | Zhang Liaoyuan七桥边上2017摄影，艺朮微喷、玻璃、榉木框 作品摄于七桥边上，而作品外框也在七桥边上的工厂制作。艺术家通过对视觉媒介的“形式结构”的瓦解与重组，诉诸着有关于从形式过渡到语言及观看的影响上。 陆扬 | Lu Yang经颅磁驱魔2017影像，装置，彩色，无限循环 经颅磁刺激（TMS）是一种对大脑相关区域进行电磁刺激的疗法，和艺术家一贯的讥刺手法相结合，再配以伴随着后迷幻硬核舞曲的驱魔仪式，造成了一种我们最终得以逃离现代医学的幻象。 邓悦君| Deng YuejunT计划MARK22019动力装置亚克力，不锈钢，电机，电子模块，黄铜，LED灯 机械群的形态变化由现场的光影流量来决定。T计划项目是能量的物质属性与物体形态变化的系列研究，通过具有挑战性的机械设计和加工方式，以机器自身的逻辑结构来实现外形运动改变的尝试。 苗颖 | Miao Ying内容觉醒，意识的五根柱子:取回你思想，身体和未来的主权2016拉网展架、布面打印、PVC板UV打印 装置上田园牧歌式的图像通过图像软件生成，基底素材来自最普通的Windows系统桌面背景。此类系统默认背景往往使人联想到网吧或办公室这类使用者无权对电脑进行个人化设置的场所。 蒋竹韵丨Jiang Zhuyun全景与凝视2018电脑，Tobii眼球跟踪仪，支架 观看者在屏幕有限的像素范围之内，透过自己的目光向量，可以窥见背后的全貌。在观看和程序之间存在基本的反馈，一旦发现没有眼球的存在，图像回到中心原点。作品以对局部的凝视，作为一种参照，截取来自关于不可见的那部分的想象。 张鼎丨Zhang Ding安全屋6＃2019数字图像，铝合金板，收藏级相纸喷绘  “安全屋”就是一个虚构的东西，艺术家觉得它是一个概念，现实当中也只觉得它是一个概念。它是一个真实存在的概念。 李明| Li Ming《"《反馈》"》，上20185通道高清录像  艺术家在5台摄像机的视角范围内进行活动，他即兴的利用一些1703内的道具作为某种其他信息的象征，为时间正在被记录而生产内容，5台摄像机同步记录这些内容，连同着播放的背景音乐，在身体内部形成了一些难以描述的情绪。 林科 | Lin Ke天空绘画2019视频，彩色，无限循环，亚克力UV打印，墙纸，3D打印 林科可视化了一个想象中的无形态的世界，神仙所居之地。天空的虚无，才孕育了大地的真相。这一切，都促使艺术家关注到这缘起的虚无，正如我们日常相伴却不胜存在的虚拟世界，如电磁场，如光影般。 易连 | Yi Lian四维纸2018动画装置 构树皮纸浆纸，墨汁，手工造纸竹帘，投影仪，金属支架，厚纸板，亚克力木外框 坊间制作工艺堆叠起来的层层纸浆则被挤压晾干成为一张厚纸。这张厚纸除了占据三维空间外，还隐藏了一段动画的时间在其内，因此被称为“四维纸”。 郭熙 | Guo Xi路过此地2018影像装置、雕塑雕塑:不饱和树脂影像:四屏视频装置 泥泞后的这些图案超越了鞋底本来的功能性，透出一种现代文明所推崇的科技感。 它们杂乱地交织在一起，形成一块去往不同时空的人们共同创作的雕塑，细心阅读这些脚印，不禁去猜想他们的去处、名字、歩态...

02 Jan

Posted at 18:29h in 新闻

2019年11月11日-11月20日，由中国美术学院·当代艺术与社会思想研究所（ICAST）发起、视觉中国协同创新中心承办、中国美术学院美术馆协办的“Inter-World-View”项目，完成了高强度与高能的十天。 来自全世界不同地域和领域的15个小组，在中国美术学院美术馆共同生活了10天，并在这个过程中，生成了美术馆空间中的静态展示现场（展期：11月21日-11月24日）。更为重要的是，这一非常规的组织方式，不断生长的叠加、交错、化合，颠覆了通常作为活动结束的“最后一天”，使之成为了开启更长远工作的“第一天”。 第十日，参加Elia峰会的近百位世界各地美术学院的院长来访Inter-World-View的现场 Inter-World-View，顾名思义，它是“Worldviews”之间的“Inter”——世界观的交互，也是对“World”的“Interview”——对世界的访问。 可是，不同的世界观如何可能交互？世界又如何可能被访问？ IWV尝试的方式，是通过“人”。但不是通过个人，而是群体。因为，每个独特的群体的存在，或许都意味着一种世界观，开始了它的普遍化的进程。 IWV于美术馆地下实验空间10天生长后的现场 IWV通过公开征集与邀请的群体，包含了建筑师、科学家、设计师、音乐家、精神分析师、导演、舞者、厨师、农 民……大部分都不是标准的“艺术家”。这个迂回，试图为广义的“艺术”的扩展，探索更具纵深的回路。 这些来自不同地区，有着不同文化背景与世界观的人们，汇集于中国美术学院美术馆地下一层的实验空间。白天，人们畅谈与聆听彼此的世界；夜晚，人们席地而坐绘制“异世界蓝图”，并以文字、图像与音乐等方式写作各自的“地下室手记”。 第一日，“蓝图奠基”仪式 十天内，不同的团体报告、展示、演绎自己的“工作”，而其余的群体，在这一刻成为听众、发问者、评论员或者诘难者，在下一刻成为主讲人。这是一个漩涡，但没有固定的中心。最终——成为一个形状复杂的共通体。 每一天的早上，都由一场“晨读会”开启一天的日程，晨读的主题是“翻译”——而翻译，正是“Inter-World-View”最初也是最重要的动作。而一场“无言”的音乐演出，则是在每天的结束时刻，作为一天的海量言谈和讨论的尾声，一种不需要语词的“总结”和反馈（feedback）。 IWV尝试了一种全新的做法：所有的参与前来的报告团体，也同时作为IWV项目的工作团队，以自己的专长，加入到一种更大的联合工作之中。以劳动来再次深入Inter-World-View的主题，这些团体分别担纲了展览策划、空间设计、海报视觉、展览搭建、影像记录、现场翻译，乃至于以作品的方式提供工作晚餐等任务。 第一日与第十日  熟道展场对比 “脚手架”则作为视觉母题元素贯穿全场，暗示了一种不同于“完成时”展览的“建造中”（under construction)与生成(becoming)现场。从开始时几乎空旷的现场，到最后几乎满溢的空间，在时空的延异（différance)中，在这片不断地被拆除与建筑的“工地”上，15组群体每一天都留下了新的行动痕迹，作为实验空间的美术馆地下室，保持在一种不断增殖与繁衍的临时状态。 就此意义而言，IWV始终不是一个标准的展览、研讨会、工作坊、分享会或演出，尽管一定程度上都包含了这些成分。正如IWV并不设置开幕式，而仅仅是以“铺设蓝图”作为一个“Opening”的仪式，它与一楼大厅的“异世界”、“核心现场”与“世纪”装置，共同形成了一系列象征性的行为。 这个充斥着标准化操作“模式”的时代，我们所见到更多的是：这些模式日益成为了真正交流的阻碍，并切断了人们的联合，消耗了“作品”之凝聚所需要的能量。Inter-World-View所坚信的是：首先要实验新的“格式”（format），才有可能发明新的“形式”（form）。  每一日：思索讲坛  转译晨读会“巴别塔重建计划”  “我们吃掉神圣的原文，这样，我们才是神圣的。”每个人都是译者，是“偿还债务的人”。翻译让原文获得了“来世”生命，朗读让文本成为咒语。 如同阳光或者早餐，Inter-World-View的每一天都在“思索讲坛”的晨读中开启。 借助一系列的经典文本，这个来自上海外国语大学的多语种团队，通过晨读会探讨了与翻译相关的众多议题：语言的变乱与命名的诞生（《巴别塔》），方言与官方语言，文本的来世与纯语言（本雅明），翻译的双重债务(德里达），多种语言的身体感知差异（不同语种诵读《神曲》），“咒语”的可译与不可译（《心经》），“食人式”翻译与后殖民（《食人宣言》），债务与礼物（《末日松茸》），“世界”与“观”的辩证（《加利美亚人的身体仪式》）…… 这一系列晨读会被命名为“巴别塔重建计划”。这种状况是如此契合我们当前的时代状况：在原子化的状态下，我们如何重新获得联结？或者，要通过怎样的尝试，去重新获得“Common Speech”？这是巴别塔中隐喻的历史问题，也是IWV期待完成的回应。 思索讲坛的成员也在整个IWV期间完成了大量的资料笔译与现场口译的工作，既以一种主动的“Inter”机制嵌入到了实际交流过程之中，也以这一翻译机制回应了主题本身。  第一日：九樟   “万物需有寄托之地”  九樟此次以空间设计团队+报告团队参与IWV，在其余群体抵达之前，已预制了整体的空间与动线设计。并在思考IWV的过程中，总结了“万物需有寄托之地”为自己工作的“世界观设定”。 在第一天的活动中，九樟首先为众人导览地下室空间，最后到达九樟自己的区域。作为一个“学社”的发起与组织者，以及一个专业的建筑工作室，九樟此次避开了常规的业务工作，而是展现了2017-2019年开展的4项“社会空间实践(social-spacial practices)”： “归乡小记”、“家庙设计”、“食物的家”、“城·店口”。 在工作报告环节，九樟首先抛出一个问题：你何时开始认识到“故乡”这个概念？邀请观众回忆自己对故乡的认知，重新思考自身在故乡的位置。进而以一个小镇店口为例，展开地方与时代大叙事的关联。并让参与者通过彼此互“嗅”对方手中食物的气味，从极大的日、风、气、地理，到极小的菌群、微环境，探讨食物与其所发明的具体地方的一切因素（综合为“空间”）的关联，从建筑专业角度切入“为食物所造的建筑”的研究。“寄托之地”在这些关联中浮现而出。 九樟绘制的异世界蓝图 手稿到设计图之衍变  第二日：重庆工作研究所   “山城防御体系”  “重庆工作研究所”（重工所）呈现了一场“表演讲座”：《山城防御体系》。话题复杂，纵横蒙古、民国与今天，山石、江水、工事、技术，乃至北碚及卢作孚。与“方言”相应，全球化中的“地方”之议题不断闪现，在这里，重庆不再只是一种地域所指，还构建起一个研究剧场。 但是，一个“地方”如何超越“对象”而成为“方法”？这是我们的共同难题。“地方”的变奏再次包含了多重反转、多次断裂，这一切迫切需要我们重回现场，重回田野，对当今由全球化主导的文化，进行反思和具主体性的文化构建。对于现实，“从何说起”始终是最大的难题。 重庆工作研究所与Blueprintplug小组合作的异世界蓝图 第三日：家园计划   “Invisible revolution”  当日下午的互动现场，“家园计划”打造了一个聚会的场所，一个由黑幕包围的探索身体感知的区域。进入这个“酒馆”的每一个人都被限制了一个感官，而去感受一场演出。聚会具有原发性，交流的渴求与其行动价值是聚会的基石。聚会漫步在间隙、停留、突然与广场中，具有大众意识，在劳作后的休憩与寻求认同中漫延。  第四日：中科院大气物理研究所（IAP)   “从混沌的现实到模拟的秩序”  中科院大气物理研究所（IAP)的团队，在严谨和细心中展现了他们的工作，又在漫不经心中展现了不自觉的诗意，正如他们的展区一侧是“混沌的现实”，另一侧是“模拟的秩序”。 他们以静态图像、视频和在线人机交互预测平台的形式展出团队的观测和研究成果，以及归纳推理（Inductive）、演绎推理（Deductive）、溯因推理（Abductive）的核心方法。IAP在与众人的交流过程中说道：这个时代，自然科学研究的瓶颈已经到来，而我们都是freshman。 IAP的科学家们在思考的是：演绎推理和归纳推理方法是否存在外推极限？自然科学的符号逻辑是否存在根本性的谬误？如果将来计算机能完全内化吸收科学理论和模型，自动运转，甚至自己创造理论，那么自然科学家该往何处去？人工智能的发展在多少程度上能够影响预测和决策的发展？而艺术和感知是否能够填补那道不可见的缝隙？ 他们通过地质反推天空：从地层中的硫酸盐反推气溶胶的厚度，并通过西方绘画（中国绘画都是单色的）中天空的红/绿比，推导那个时代的大气情况。 科学家们说：我们很少听到有人说“我感觉”，而他们的言辞中，充满着“可能的诗”以及“世界观”意义上的启发性现象——海洋和大气分享同一个公式。云的寿命有多长？如何模拟：通过一个输入了人类所有已知物理化学公式的一万八千页代码的程序。南极的风很大：把海水直接撕裂为海盐颗粒，类似pm2.5的几微米气溶胶，从卫星上俯视中可以看到一个大陆在飘着轻烟…… 所以，最后我们问：一首新的诗不重要吗？  IAP邀请所有人共同标注等压线，预测一场台风  第五日：BluePrintPlug+Fleshy School  “蓝图分享会”“黑格尔舞者”  BluePrintPlug由中国美术学院创新设计学院本科二年级同学组成的，是此次Inter-World-View的工作团队，担任视觉设计。  第五日上午，BluePrintPlug组织了“蓝图设计谈”，他们以“以制图会通世界”作为自己的世界观，远溯内容与图解的总谱，将“图解”作为信息转化和知识梳理的生产实践方式，从总体知识结构的纲举目张，结合个体关切展开差异化的叙事与分析，以系统化和系列化的线索提取、跨时空比较为基本方法，深入社会结构，浅出日常世界，最终转为蓝图的搭建设计。 第五日下午，来自哥伦比亚的Fleshy School为我们带来了以“黑格尔舞者”为主题的身体练习与讲演。Erika向我们阐明，这一主题名称来源于黑格尔提出的二元对立的正反合系统。舞蹈是一个证明两种相反的力相互作用的复杂形式。舞蹈所产生的并不是两种力量之一的消除，而是一种“对立”的共存。正是这种对立产生了节奏，这也是一个非常重要的政治/伦理隐喻。 接着，Andrea向我们展示了用身体所创造的曲线来挑战二元性：曲线的身体容许左右、前后同时存在。身体和曲线也为动作带来复杂性，允许反对面的共存。她更划出了一个笛卡尔坐标——站在笛卡尔坐标上的扭动的身体，同时穿越不同象限。舞蹈塑造了“另一具身体”和新的认识论。 Jose以卡泼卫勒舞（Capoeira）为例，说明了一种“无限游戏”或“螺旋”练习，即对抗某人但不杀死他/她。这个游戏是建立在两个玩家的对立关系及两个世界的相遇之上的，对立的共存不消除某一方而是“创造运动”。 最后的UBUNTU（非洲舞步，意为：我和你是一样的）练习让参与者更好的认识到自己与他者的联系、我与群体的关系，及小群体与大群体的关系：大圈小圈互相交错，瞬间失措同时立即开始复位。这个过程的演进，渐渐于群体间，形成了某种接近仪式/巫术的共同姿势，而潜在的感应，也打开了“通过身体思考”的全新路径。  第六日：PeARL  “用科学再现艺术”  来自美国德克萨斯州理工学院的PeARL聚焦于“Schema”（图式）的研究。PeARL的名称缩写即暗藏着一种观察世界的方式，大写A意味着“Art（艺术）”，大写R意味着“Research（研究）”。团队成员通过用数据再现对表演艺术的研究，从广泛的跨学科角度出发寻求科艺融合的突破，用科学再现（re-presents）艺术，用科学和艺术的结合研究显现（presents）人性。 在地下室中厅的狭长边缘，PeARL试图用无国界的视听语言和数据逻辑营造一个强互动的思考空间，“和谐旋律的再现网络”选取1958-1991年的100首流行金曲，以图谱网络揭示音乐工业的制造流水线。“沉默的迪斯科”鼓励一群观众同时戴上耳机随乐而舞，用音乐诱发下意识的肢体反应，从而在现场叠加一层平行空间。将空间切割成几部分的金色帘幕也是作品“金属性&电子性”的一部分，帘幕后的人模糊了面孔和身份，用箭头形状的便签书写和传递消息，模拟存在于赛博空间的不确定性与随机性。 区别于“用研究做作品”和“艺术化研究”（artistic research），PeARL所谈及的“通过创作作品而做研究”是此类工作的真正核心。  第七日：热带病艺术研究所   “症状在反复敲打桌面”  第七日，热带病艺术研究所在现场向大家展示了《一个人的社会》项目，试图将精神分析的方法置入艺术实践，在互相看见的个体身上重新发现真相，理解个人作为社会实体时，社会秩序在主体内部的运作。  他们营造了一个“精神分析师”式的舒适的空间，在让人放松的同时将主体的另一面显现。但精神分析师不承诺治愈。他们通过橡皮泥游戏与分享，与众人展开了讨论：精神分析不是一种知识，而是一种训练、一种产出；这是一种生产的工作，而不是分析的工作——让独一无二的没有办法溯源的症状（“圣状”），成为创造性的生产。 分析师并非带着知识去工作，而是根据自己的人生经历，凭借对自己的主体的理解，抓取相遇的时刻，制造新的运转形式。如果医生自己没有改变，治疗其实是不可能发生的，都是在互相影响之中将主体投入进去。这是一种基于主体间性的工作方法，而非以谁为主。主体之间的相遇，词把他们连在一起，这个关系同时改变了两者。 “症状在反复敲打桌面”的同时要对自我和他人反复说：“不要理解得太快”  第八日：北国+人民比特（RMbit）   “业余时间就建了个...